Poesía

Alejandra Pizarnik es una figura de culto de las letras hispanas y una autora que se internó por infiernos raramente visitados por la literatura española. Su poesía se caracteriza por un hondo intimismo y una severa sensualidad o, en palabras de Octavio Paz, la obra de Pizarnik lleva a cabo una «cristalización verbal por amalgama de insomnio pasional y lucidez meridiana en una disolución de realidad sometida a las más altas temperaturas».

Esta edición, a cargo de Ana Becciu, incluye los libros de poemas editados en vida de la autora y los poemas inéditos compilados a partir de manuscritos.

Reseñas:
«La belleza de su enigmática y sobrecogedora poesía [...] no acaba nunca.»
Winston Manrique Sabogal, El País

«Cada poema [suyo] es el cubo de una inmensa rueda.»
Julio Cortázar

«Sobre mi mesa, lleva semanas abierto el volumen que contiene la Poesía completa de ese irrepetible y doliente meteoro que fue Alejandra Pizarnik (1936-1972), de quien no me resisto a transcribir unos versos estremecedores: no atraigas frases / poemas / versos / no tienes nada que decir / nada que defender / sueña sueña que no estás aquí / que ya te has ido / que todo ha terminado.»
Manuel Rodríguez, Babelia

«Sumergirse en la intimidad de la gran poeta argentina es adentrarse en las arenas movedizas de una pulsión suicida. [...] Así es su escritura: el constante descubrimiento de una rosa con espinas. [...] Se la lee de poco en poco, como quien paladea un vino añejo.»
Rocío Niebla, Tinta Libre

«La palabra parece la guarida que no siempre es capaz de proteger. Su poesía es luminosa en la oscuridad; provoca vértigo, perturba; las ausencias pesan y la belleza desgarra.»
Estandarte

«Un hecho excepcional en la literatura argentina, que puede adjudicarse al aura de prestigio casi legendario que ha envuelto la vida y la obra de Alejandra Pizarnik.»
César Aira

En Charlas breves, Anne Carson anuncia su labor desde un inicio: "Me puse a copiar todo lo que se decía. Las marcas construyen gradualmente un instante de naturaleza, sin el aburrimiento de un relato. Hago hincapié en esto. Hago cualquier cosa con tal de evitar el aburrimiento". Desde aquella tarea –"nunca se trabaja lo suficiente", escribirá más adelante–, Carson compone estas cuarenta y cinco charlas sobre diversos temas. En su pluralidad, concentración y belleza, estas piezas en prosa dinamitan la charla como género, a la vez que hacen del mundo –con sus cosas mayores y menores– un lugar indudablemente menos aburrido.

Sylvia Plath es una de las poetas más admiradas del siglo XX. Sus versos, que a lo largo de los años han ido cobrando protagonismo especialmente después de que se quitara la vida a los treinta años, son un intento de expresar su desesperación y su obsesión por la muerte. Sus poemas se pueden considerar en gran parte autobiográficos y exploran su angustia mental, su problemático matrimonio con el también poeta Ted Hughes y los conflictos sin resolver con sus padres, así como la visión que tenía de ella misma.

Tanto ella como su obra se ha ido perfilando hasta el día de hoy como uno de los grandes iconos del feminismo, y su poesía -en especial El coloso y el póstumo Ariel-, como objetos adorados, valiosas pruebas de que Sylvia Plath fue una de las grandes figuras de la literatura del pasado siglo. Después de más de cincuenta años de ser escritos, sus versos todavía contienen toda su intensidad, todo su dolor y toda su belleza.

-------
«Entonces el cielo y yo conversamos abiertamente.
Y seguro que seré más útil cuando al fin me tienda para siempre:
entonces quizá los árboles me toquen por una vez
y las flores, finalmente, tengan tiempo para mí.»

En La belleza del marido. Un ensayo ficticio en 29 tangos, Anne Carson ensaya una narrativa amorosa, desde sus inicios hasta su ocaso, con dulzura, brutalidad e ironía. Trenzado con la obra de Keats y colmado de referencias a la cultura griega, este libro es un tejido que se resiste a la clasificación. Sus extensos versos –que parecen desear desbordar la página– nos quitan el aliento y nos inquietan como lo amoroso mismo, que es capaz de irrumpir, cobijar y destruir a la vez. «Los poetas prefieren ocultar la verdad bajo estratos de ironía / porque esa es la apariencia de la verdad: en capas y escurridiza», escribe Carson. Posiblemente también la apariencia de la belleza –y la del amor– sea en capas y escurridiza. Este libro nos golpea con esa certeza y con la belleza oscura de su luz.

Después de dos traducciones hechas en España, esta edición viene a restaurar la relación entre Carson y Latinoamérica, gracias al delicado trabajo de Soledad Marambio.

En el lugar de la mano el ímpetu de un río, sexto libro de Julieta Marchant, está compuesto por un poema largo que intenta lo imposible: acercarse, mediante el lenguaje, a la muerte de un otro que ha tenido lugar en el río. Ese otro ahora es un cuerpo que ha sido abrasado por el frío del agua, sometido y diseccionado por la intervención médica. El verso que titula el poema aparece ya en la primera página: «En el lugar de la mano, o donde debiera haber una mano, el ímpetu de un río». El título, de este modo, omite una parte, aquella que declara cierta expectativa del testigo de cualquier cuerpo inerte: al extremo del brazo «debiera haber una mano». La incapacidad de la realidad para satisfacer esta exigencia obsesiona al poema y lo reconduce por oscuras vías y enclaves subsidiarios hacia la desembocadura de un océano, hasta el cual se arrastran y discurren los cuerpos de este cuerpo, reacios a presentarse sensiblemente al examen médico o a constituirse en objeto del saber discursivo.

Una de las preocupaciones centrales en la monumental obra de Gertrude Stein fue restablecer los significados originales de las palabras. Y para lograrlo reformula la sintaxis de su época: interviene las convenciones de puntuación y montaje, experimenta fórmulas sonoras. El resultado es un estilo único plagado de destellos punzantes, donde discurso y estética se funden, hacen simbiosis. Esta vocación ha sido interpretada como una reelaboración feminista del lenguaje patriarcal. Poesía anti-patriarcal reúne precisamente los textos de Stein que tenían como horizonte aquella vocación. Los extensos poemas hasta la fecha inéditos en español: Before the Flowers of Friendship Faded Friendship Faded y Patriarchal Poetry; y el precursor relato-ensayo: Miss Furr and Miss Skeene, inscrita como una de las primeras historias de revelación homosexual.

Gertrude Stein nació el tres de febrero de 1874 en Pennsylvania, Estados Unidos. Fue una escritora estadounidense que revolucionó las convenciones de todos los géneros literarios. Estudió psicología en Harvard y medicina en la Universidad Johns Hopkins, donde fue cercana a William James, quien inspiró sus primeros experimentos con la escritura, y llamó la atención por rechazar los estereotipos de lo femenino. A sus veintinueve años, en 1903, emigró a París junto a su hermano Leo. Allí consolidó su carrera como escritora y se volvió una figura central de la bohemia parisina, operando a su vez como coleccionista y mercader de arte. Todos los sábados organizaba encuentros en su casa, ubicada en el 27 de la rue de Fleurus, que se convirtió en un punto neurálgico para artistas como Élisabeth de Gramont, Apollinaire, Cocteau, Matisse, Picasso, Hemingway y F. Scott Fitzgerald, entre otros. Algunas de sus obras más destacadas son Three Lives (1909), Tender Buttons (1914) The Making of Americans (1925), Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), Wars I Have Seen (1945) y Stanzas in Meditation (1956). Stein murió el 27 de julio de 1947 en Neuilly-sur-Seine, al oeste de París, tras una cirugía a un cáncer al estómago. Antes de entrar al quirófano, le preguntó a su pareja: ¿Cuál es la respuesta?, ella respondió: No hay. A lo que Stein respondió murmurando: en ese caso ¿cuál es la pregunta?

Compuesto por extractos de veinte entrevistas, una larga conversación inédita y un peculiar diálogo cruzado por los yoes de la autora, No soy tan moderna urde un relato vital y reflexivo bajo el signo Elvira Hernández. “La poesía busca que uno se haga todas las preguntas que pueden hacerse sobre las palabras” , nos dice, en un luminoso fragmento de este libro. Y aquella máxima atraviesa todas sus palabras, que continuamente se interrogan sobre el oficio de escribir y la función social que posee, aún, la poesía.

Sencillez y misterio tal vez sean las dos palabras que mejor describan la poesía de Gabriela Mistral. En la presente antología se han recogido poemas que confirman que su obra fue inspirada –en palabras de la Academia Sueca al otorgarle el Premio Nobel de Literatura– por “emociones poderosas”.

Más que una antología, este volumen de la escritora que obtuvo el premio Nobel de Literatura en 1996, incluye prácticamente toda la obra de Wislawa Szymborska. En el prólogo, escribe Elena Poniatowska: "Sus poemas nítidos, aforísticos, nada describen, ninguno se alarga demasiado. Su ironía es precisa, tajante a veces. Más que contar grandes elegías, exalta juguetona, traviesa, las pequeñas y curiosas diferencias que nos determinan".

Cuando un libro te parte la cabeza es muy difícil decir algo al respecto. Previa a toda racionalidad crítica, existe una pulsión concreta por compartir esa experiencia de lectura. Entonces empezás a leerles en voz alta los poemas a tus amigos, le mandás un poema a la chica que te gusta, subís otro a Facebook. Y en esas microprácticas banales y a la vez imprescindibles, subyace el deseo de una difusión total. Bueno, a mí me pasó cada una de estas cosas con Antitierra, de Valeria Tentoni. Kafka decía que un libro tiene que ser el hacha que rompa el mar de hielo que llevamos adentro y los poemas de Tentoni, precisamente, tienen ese poder de agrietar, de rasgar, de escindir la percepción que tenemos de las cosas y del mundo: abrir lo que parece cerrado, desgajar lo que parece sólido, deshilvanar lo que parece hecho de un solo paño, de una sola pieza.

Si la materialidad es siempre un signo irrefutable, final, Antitierra pone toda su energía en mostrarnos, en cambio, las tramas de una imagen, el desenvolvimiento de una idea, las transformaciones de una emoción, como si no hubiera nada definitivo, como si la poesía fuera la encargada privilegiada de mostrarnos ya no las cosas, sino sus procesos, sus relaciones, y entonces la escritura se nos presenta como una forma de destejer este mundo, el nuestro, pero como en un acto de prestidigitación, al destejer, comienza a tejerse, en su lugar, otro: el poema.

Matías Moscardi

En la bestia ser de Susana Villalba, asistimos a monólogos entre un perro, un árbol y una piedra, compuestos por poemas de largo aliento y de versos concentrados, que fulgura en su singular intensidad. El poema, distanciado de lo humano como medida del mundo, nos toca mediante las voces de lo animal, lo vegetal y lo mineral, que traman una constelación colmada de preguntas y pensamientos en torno a lo que no tiene voz y que, incluso a pesar de lo humano, sobrevive y late. “Hay un lenguaje de las piedras/ áspero de ideas/enteras/ y redondas// más que el silencio/ un idioma/ que no se pronuncia”, escribe Villalba. Hay un lenguaje también de los perros y de los árboles y, entre esos tres lenguajes, lo humano en la lectura es conmovido al tomar consciencia de ese mundo que habita, que cree hecho para sí mismo y que, sin embargo, no deja de desbordarlo en la inmensidad de su secreto.

En La mujer gallina de Karo Castro se propone una revisión de la trágica historia de Corina Lemunao, quien padeció desde su infancia el cautiverio y el abandono en un gallinero. La poeta, mediante un impuslo de registro, mixtura los acontecimientos y nos ofrece una torcedura de la crónica, puesto que esquiva lo documental y apuesta por la ficción poética, sin perder las huellas de Lemunao. El conjunto de poemas transforma el relato veraz de la mudez y la incomunicación de su protagonista como un gesto de remienda: colma el lenguaje del silencio y nos entrega lo perceptivo de su cuerpo-ave.

Daniela Catrileo

Este libro se reparte en dos torrentes. Primero fluye como inscripción territorial de ciertas estancias geográficas donde la escritura aparece como bitácora o mapa inherente al poema. Construye con precisos detalles no solo el curso de las aguas, sino lo que ellas provocan a quienes las habitan o contemplan. En un segundo momento surge la quietud observadora desde el interior de una casa, lo que permite que el desborde ocurra por fuera. También emergen ciertos elementos domésticos que proponen una visión y seña de clase. En cada texto se mixturan sensaciones y recuerdos a modo de retazos, una forma de grabar la memoria entre las olas, la lluvia o los cauces. «Volverse líquida», «desvanecerse», nos dice la poeta, mientras registra el paso del tiempo bajo una conciencia de su fugacidad e incertidumbre. Sus poemas oscilan —tal como las aguas— entre el desplazamiento y la quietud, entre una contemplación del viaje y el encierro, no como dicotomías insondables, sino como fronteras ocupadas desde la tensión: «la humedad lo llena todo».

“Caudal” intenta nadar entre la amenaza y la resistencia. Sus aguas rebosan lo que no se puede decir: aquello que resta entre las olas.

*Palabras de Daniela Catrileo

Eurípides fue un dramaturgo del siglo V A.C. que reinventó la tragedia griega, poniéndola en un camino que conduce directamente a los reality shows. Sus obras rompieron todas las reglas, derrocaron las convenciones e indignaron a los críticos conservadores. Las Bacantes es su obra más subversiva: cuenta la historia de un hombre que no puede admitir que preferiría vivir en la piel de una mujer, y un dios que parece combinar todas las sexualidades en una única ruinosa demanda de adoración. Dionisio es el dios de la intoxicación. Una vez que caes bajo su influencia, no se sabe dónde terminarás.

En playas de fuego del mar no habla la lengua de los muertos. El Mar representa la clausura de la palabra, el espacio donde queda encerrado el discurso, constituyendose solo como el reflejo y rebote del cielo, ilusión. En la poesía de Bárbara, el mar es el espacio de indistinción, un desierto de la palabra, la mudez absoluta. La muerte no es la fìsica, sino la muerte de la voz. El aliento se expande en la superficie y desaparece semejando el movimiento de las olas en la orilla. Borrando todo rastro.

Los objetos que utilizamos cada día guardan algo de nosotros en su interior. A partir de esa premisa la escritora María José Ferrada nos propone un recorrido que comienza por una taza de café abandonada en una cocina. A medida que la lectura avanza, descubrimos que su dueño es uno de los más de 3000 chilenos que, entre 1973 y mediados de la década de los ochenta, salieron desde casas, oficinas, lugares de estudio, para nunca regresar. Un libro que nos invita a revisar nuestra historia política a partir de las pequeñas historias que quedaron inconclusas. Las imágenes de gran contenido poético, a cargo del ilustrador y diseñador español Pep Carrió, invitan al lector a una reflexión en torno a la fragilidad, la ausencia y la construcción de la memoria.

Es la primera obra de NATALIA EMILIA. Una crónica reflexiva e ilustrada que ensaya poética y narrativamente la ficción de la propia vida. Vela y devela el lugar desde donde escribe la mujer, la escritora y la viajera. Con una voz auténtica, nueva y audaz, feminista haciendo frente a su machismo y patriarcado en sí, asume las emociones del cuerpo con sinceridad y arrojo, para hacernos reír, rabiar, sentir placer, odio y miedo, explorar las soledades. LA QUE ESCRIBE ESTE LIBRO, resiste al canon literario o de cualquier justificación sesuda. Estos poemas y crónicas vitales se escriben sin reparos, con determinación y desembarazo, una voz aguerrida y sensata amanece en las letras chilenas. Natalia Emilia escribe desde la insurgencia itinerante de la voluntad latinoamericana en la perpetua búsqueda de libertad y aventura, acompañada de lápiz y papel para regar la escritura, repartir el poema y descubrir, precisamente qué se escribe porque no basta con
simplemente vivir.

Y en ese bosque, lo que encontramos es una voz que, a medida que lo construye, recuerda largas y extrañas conversaciones a las sombras de otros bosques. Como en los árboles viejísimos que al superponer una capa y otra de crecimiento terminan deglutiendo y encapsulando entre sus anillos al hierro que se apoyaba a su fuste o la cadena que lo ataba; esta voz también guarda algo en su interior: el recuerdo de una lejanía o una ruptura, o las dos, ramificadas y superpuestas, hilvanando un reclamo a la desazón, una desilusión al recorrido. -Federico Falco

Lubricán

Del latín lupus 'lobo' y canis 'perro', infl. por lóbrego.

1. m. crepúsculo.

Lóbrego, ga

Del latín lubr?cus 'resbaladizo'.

1. adj. oscuro, tenebroso.

2. adj. triste, melancólico.

Lúbrico, ca

Del latín lubr?cus.

1. adj. propenso a un vicio, y particularmente a la lujuria.

2. adj. libidinoso, lascivo.

"En la poesía de Tamara Orellana, la voz es señal de individualidad y de invocación a lo otro, sin ser íntegramente nada de esto. Sus poemas implican querer escucharla y no solo leerla, se sostienen en el límite de los ojos; son escritos de amor despojado, en que dibuja los márgenes de un mundo afectivo a modo de sombra". -Rodrigo Arriagada Zubieta (buenosairespoetry.com)

“De la mano de la sensibilidad nipona, esta introducción a la poesía clásica japonesa es un viaje al pasado, a la esencia de la estética del sol naciente y a la refinada relación de su poesía con la naturaleza y el mundo que nos rodea. Con traducciones directas del japonés, Marcela Chandía nos guía en un recorrido para conocer la historia de la poesía japonesa: sus inicios, su evolución en los distintos estilos y su influencia hasta nuestros días, pues, como escribió Ki no Tsurayuki en el prefacio del Kokin Wkashuu: “Sigue siendo la poesía la que mueve el cielo y la tierra, la que conmueve a dioses invisibles y espíritus, la que expresa la intimidad entre un hombre y una mujer, la que conforta el corazón del más bravo de los guerreros.”

En este texto, Gabriela Mistral recrea en verso un fragmento del cuento clásico Blancanieves de los hermanos Grimm. Amanuta publica este poema casi noventa años después, en forma de libro de cuento, con ilustraciones de Carles Ballesteros.

Libro ganador del Premio “Libro más Bello”, de la Unesco en el 2014, Mención de Honor en Bologna Children’s Book Fair, 2014.

Traducido al coreano, chino y polaco.

Desde la publicación en 1983 de Bobby Sands desfallece en el muro, en plena dictadura militar, la obra poética de Carmen Berenguer se ha constituido en una permanente búsqueda por tensionar los límites de la palabra en todos sus aspectos –sentido, sonido y visualidad– apostando en ello, en las posibilidades de ruptura de la poesía, una liberación efectiva de los cuerpos: encerrados, confinados, golpeados minimizados por los discursos hegemónicos y sus aparatos de poder. Reinscribiendo la apuesta de las vanguardias, ante un escenario cultural opaco y opresivo, su experimentación estética se instala de manera brillante como una estrategia de movilidad escurridiza, violenta, erótica y rebelde, necesariamente provocadora y sorprendentemente actual. “… sin temor a arriesgarse y variar, de libro en libro, Carmen Berenguer sigue renovando su modo de expresar una historia, personal y colectiva, más o menos cercana, más o menos imaginada”. Soledad Bianchi “La historia, la tradición, se ha escrito en el ámbito público, en la urbe moderna. La mujer, sujeto ausente de la escritura social y pública propone –en este discurso poético– transitar por ese espacio con un lenguaje que emerge de} su corporalidad y de su genitalidad validando desde ella su mirada y su pertenencia a la historia”. Raquel Olea

Elvira Hernández configura un sujeto consistente con un sello identificable, una voz poética dura y perspicaz, crítica y celebradora, desplegando un amplio espectro de sentido del humor, política e íntima, chilena y universal, a la vez”. Pedro Gandolfo